Meilleures ressources gratuites pour la production musicale en 2024

Lorsque certains se lancent dans la production musicale, leur parcours est jalonné de cours à l’université, de stages de formation très prisés et de professionnels de renom. Beaucoup d’entre nous rêvent d’une formation dans le secteur, mais les réalités de la vie peuvent rapidement se mettre en travers de leur chemin.

Tout d’abord, il peut être extrêmement coûteux de suivre un tel parcours. Ce n’est pas seulement l’enseignement qui est coûteux – ajoutez-y le temps passé en studio, les plugins, le matériel et les instruments, et vous pouvez rapidement vous retrouver avec une facture de plusieurs dizaines de milliers d’euros.

Ensuite, il y a le facteur temps. Beaucoup d’entre nous travaillent déjà à temps plein dans différents domaines, et la musique n’est qu’un hobby. Avez-vous vraiment la volonté (ou le besoin) de travailler de 9 à 5, de faire des travaux, d’assister à des cours et à des ateliers et de gravir les échelons sans être payé pour grand-chose ?

Si vous voulez devenir un professionnel – oui, une formation traditionnelle est probablement la voie à suivre. Mais quelles sont les options qui s’offrent à ceux qui veulent simplement produire de la musique chez eux pour le plaisir ?

Eh bien, il s’avère que c’est le cas pour beaucoup d’entre eux.

Comment choisir les vidéos avec lesquelles commencer ?

Nous vivons à l’ère de l’information. Vous pouvez trouver presque tout ce que vous voulez apprendre, voir ou entendre sur l’internet. Mais une telle étendue de connaissances s’accompagne d’un certain degré d’incertitude.

La production musicale est une bête à plusieurs niveaux. Il y a tellement d’éléments individuels qui peuvent être assemblés de la manière que vous voulez.

C’est pourquoi il est important de commencer par élaborer un plan. C’est une bonne idée de se concentrer sur ce que vous, et vous seul, voulez accomplir au cours de votre parcours de production musicale.

• Vous souhaitez avoir une vue d’ensemble du processus de production musicale, juste pour apprendre ?
• Vous souhaitez créer vos propres chansons à l’aide d’un logiciel de création audio ?
• Souhaitez-vous travailler dans un genre spécifique ?
• Voulez-vous mixer de la musique pour d’autres personnes ?
• Aimeriez-vous composer de la musique de jeu vidéo ?
• Voulez-vous apprendre à utiliser les VST ?
• Vous essayez de construire un home studio ?
• Allez-vous utiliser un studio de musique professionnel ?

Et ainsi de suite. En vous posant ces questions, vous simplifierez grandement votre parcours d’apprentissage. Par exemple, j’ai décidé que le meilleur moyen de commencer était de développer des connaissances de base pour le mixage et le mastering de ma propre musique dans une station de travail audionumérique. Une fois cette base établie, je pouvais commencer à l’appliquer et à combler les lacunes de mes connaissances au fur et à mesure que j’avançais.

Votre parcours sera toujours le vôtre, alors n’oubliez pas qu’il n’y a pas de mauvaise façon de procéder !

Certains préfèreront des vidéos individuelles qui résolvent des problèmes liés à leur processus de production, comme la production de voix, l’enregistrement de guitares ou le développement de lignes de synthétiseurs. D’autres préfèreront un parcours plus structuré qui couvre les bases de la production musicale du début à la fin.

Qu’est-ce qui fait la qualité d’une vidéo sur la production musicale ?

Si vous avez déjà lu mes articles, vous connaissez probablement ma philosophie à ce sujet. Tout ce qui vous aide est bon, même si les mille dernières personnes qui l’ont regardé l’ont trouvé inutile.

C’est pourquoi il est si important d’élaborer un plan. Quelqu’un qui veut apprendre à produire des voix de black metal va probablement trouver “mauvais” un guide de production EDM.

La plupart des créateurs de contenus ont leur propre style en termes de musicalité et de personnalité. Personnellement, je recommande de commencer par les séries de vidéos les plus populaires. La popularité ne détermine pas, n’a jamais déterminé et ne déterminera jamais la qualité ou l’intérêt du contenu d’une personne.

Toutefois, elle garantit un certain niveau de qualité. La plupart des chaînes de production musicale populaires ont des vidéastes qui présentent des informations sous forme de morceaux digestes. Il est clair que suffisamment de personnes les regardent parce qu’elles trouvent les conseils et les guides utiles.

Les vidéos à plus haute visibilité seront probablement dotées d’un enregistrement et d’un son de haute qualité, ce qui permettra de voir et d’entendre plus facilement ce dont ils parlent.

À partir de là, il vous sera plus facile de vous lancer dans des vidéos plus spécialisées (si nécessaire). En consultant les vidéos les plus populaires, vous pouvez vous faire une idée du style de vidéo que vous souhaitez.

Vous aimez peut-être les chaînes “amusantes”, qui diffusent des conseils et des astuces à côté de vidéos bizarres où des musiciens fabriquent des tambours à partir de sons d’œufs. Ou bien vous ne voulez aucune personnalité et vous contenter d’une vidéo calme et sèche où vous pouvez suivre un professionnel qui mixe une chanson du début à la fin.

Les meilleures ressources gratuites pour la production musicale : Vidéos

YouTube est le point de départ de la plupart des producteurs de musique disposant d’un budget limité. Il existe des milliers et des milliers de chaînes, de vidéos et de séries remplies à ras bord de leçons.

Dans notre article d’introduction à la production musicale, nous avons examiné quelques-unes des chaînes YouTube les plus populaires. Ces chaînes ont été sélectionnées parce qu’elles étaient un peu plus générales et couvraient la plupart des éléments du monde de la production musicale.

Dans ce guide, nous examinerons de plus près certaines chaînes et vidéos plus spécifiques dans des domaines que la plupart des producteurs de musique devront apprendre. Nous explorerons des vidéos et des médias individuels consacrés à une niche dans le domaine très vaste de la production musicale.

Il convient de rappeler que YouTube n’est pas la seule plateforme de diffusion vidéo gratuite pour les producteurs de musique. De nombreux blogs hébergent des contenus vidéo uniques sur leurs sites web, cachés derrière des murs d’abonnés.

L’une de mes alternatives préférées à YouTube est Twitch.tv. Cette plateforme de streaming de jeux, autrefois exclusive, s’est transformée en une communauté florissante pour les producteurs de musique. Des musiciens, qu’ils soient peu connus comme moi ou vénérés comme Deadmau5, ont diffusé le processus de production de chansons entières sur Twitch.

Vous pouvez suivre l’ensemble du processus : composition, création de synthétiseurs, utilisation de VST, arrangement, enregistrement, mixage, mastering, etc. Regarder ces vidéos peut prendre énormément de temps, mais lorsque vous trouvez quelqu’un que vous appréciez, vous pouvez apprendre beaucoup.

Je suis certain que vous n’avez que trois choses à l’esprit :

Où est la gratuité ?

Quand verrons-nous les produits gratuits ?

Montrez-moi ce qu’il y a de gratuit !

Très bien. C’est assez juste. Allons-y !

Vidéos gratuites pour l’enregistrement de la voix

Lorsque je pense à la production de voix, je dois admettre que mon esprit s’oriente immédiatement vers des effets délirants. Comment faire pour que mon chant sonne comme celui des Strokes, ou comment obtenir le son classique de réverbération/délai des années 80 ?

En réalité, la production de voix est un processus de longue haleine qui comporte de nombreuses étapes. Les éléments “amusants” (réverbération, délai, etc.) arrivent souvent en dernier. Il est tout aussi important d’optimiser les enregistrements vocaux en plaçant les micros, en augmentant le gain ou en apprenant à égaliser une piste vocale manquant de clarté.

Jonas Aden a réalisé une excellente vidéo qui couvre le processus de A à Z. Les informations peuvent être glanées plus rapidement qu’un épisode de Game of Thrones. Il fait appel à un professeur professionnel pour divulguer ses trucs, astuces et conseils pertinents pour la production de n’importe quel type de voix.

Il ne se contente pas de parler du placement des micros et de l’égalisation. Quand je dis que c’est complet, je le pense vraiment. La vidéo d’Aden aborde le choix d’un microphone adapté à votre style vocal, l’importance de l’acoustique de la pièce (je vous l’avais bien dit !) et la manière de connecter votre DAW à une interface.

L’Australian Institute of Music, l’une des institutions musicales les plus prestigieuses d’Australie, propose une vidéo vieille de dix ans sur le placement des micros.

Il résiste très bien à l’épreuve du temps. L’animateur, Jason de Wilde, explique comment les différentes distances par rapport à un microphone peuvent affecter le résultat final. Il explique comment éviter les plosives (croyez-moi, vous voulez les éviter) ou comment créer des chœurs naturels.

Et écoutez nos accents ! Ne sommes-nous pas géniaux ?

Restons dix ans en arrière et regardons une autre vidéo de 2012. Cette fois, nous explorons la formule en trois étapes de Rob Williams pour l’égalisation des voix. En général, je me méfie des “formules” de mixage. Cela va à l’encontre de l’objectif du mixage, qui est de résoudre les problèmes au cas par cas.

Cependant, la vidéo de Williams est très populaire, puisqu’elle a été visionnée près de 2 millions de fois. Il explique en détail pourquoi il utilise sa formule comme il le fait et comment elle peut être appliquée à différents projets.

Il s’agit donc davantage d’une vidéo de type “apprenez avec moi” que d’une vidéo de type “copiez et collez cette formule”, ce qui est beaucoup plus bénéfique pour la constitution d’un portefeuille de connaissances en matière de production.

Et, comme promis, voici les choses les plus “amusantes” – faire ressortir vos voix avec des effets. Cette partie de la production vocale ne consiste pas tant à apprendre la théorie qu’à trouver ce qui fonctionne pour vos objectifs de production spécifiques.

Par exemple, vous pourriez vouloir copier le ton vocal “Quick n’ Dirty” de Joe Gilder, mais ne pas aimer la quantité de distorsion qu’il utilise. C’est simple ! Vous savez maintenant comment créer une base pour un effet de type Stroke’s, mais vous pouvez ajuster les paramètres à votre convenance.

Ou bien vous pouvez apprendre à faire sonner votre voix comme celle de John Lennon… je veux dire celle de Kevin Parker de Tame Impala.

Les ressources disponibles pour apprendre à produire des voix sont colossales. Vous pouvez trouver de nombreux petits conseils et astuces qui pourraient révolutionner complètement la façon dont vous chantez dans vos chefs-d’œuvre.

Peut-être souhaitez-vous essayer l’une de mes techniques préférées, la superposition vocale. Eh bien, il y a environ cent mille vidéos sur ce sujet spécifique à découvrir.

Nous pouvons aussi regarder ce que fait Devin Townsend, artiste professionnel de la métallurgie, pour créer ses voix planantes et sonores dans Pro Tools, présenté par Waves Audio.

Vidéos gratuites pour la production de guitares

Je vais être honnête avec vous. Je n’aime vraiment pas enregistrer des guitares électriques. Tout d’abord, je passe souvent des heures à examiner les boutons de mon ampli, en essayant de trouver le son parfait qui correspondra à ma chanson.

Ensuite, bien sûr, j’essaie de l’enregistrer avec un microphone et le son est complètement différent. J’essaie alors un autre micro, ou une autre distance, et le son est à nouveau faux.

Après peut-être une heure de bricolage, je pourrais finalement obtenir quelque chose qui correspond à 80 % du son que je recherchais.

Ce processus n’est pas seulement dû au fait que je suis un mauvais producteur – même si cela n’aide en rien. Les difficultés liées à l’enregistrement d’une guitare électrique ont été reconnues par les professionnels, même s’ils parviennent à obtenir d’excellentes sonorités… au bout du compte.

Je vais donc vous révéler un petit secret industriel. Depuis au moins cinq ans, les amplis de guitare virtuels sont aussi performants que les micros des vrais amplis de guitare. Une grande partie de l’industrie musicale utilise encore des micros pour les guitares électriques avec des amplis, mais ce nombre diminue lentement.

Les VST comme NeuralDSP et les processeurs comme AxeFX ont été utilisés dans toutes sortes d’albums studio et de performances live. Blink-182, Trivium et Death Cab For Cutie ont tous utilisé (ou utilisent) des amplis numériques pour leurs besoins en guitare électrique.

Cela ne signifie pas qu’il soit inutile d’apprendre à utiliser un micro pour les guitares. En fait, un type spécifique de guitare est loin d’être égalé par son alternative virtuelle.

Je parle bien sûr de la guitare acoustique.

Apprendre à poser un micro sur une guitare acoustique est l’un des éléments les plus importants de la production. La distance du microphone, l’utilisation d’un, de deux ou de trois microphones et la combinaison de condensateurs et de dynamiques peuvent avoir un impact considérable sur le son final.

Rick Beato propose un guide complet de production pour guitare acoustique sur sa chaîne YouTube. Il passe en revue les différentes façons d’utiliser le micro de la guitare, ainsi que la façon de l’égaliser et de la compresser en fonction de la tonalité recherchée.

Recordingrevolution, l’une des ressources gratuites les plus populaires pour les producteurs, propose une vidéo qui passe en revue les “4 lois de l’enregistrement de la guitare acoustique”. Cette vidéo est plus axée sur la prise en compte des conseils que sur le processus d’enregistrement proprement dit.

Néanmoins, les conseils et astuces fournis sont très utiles pour ceux qui débutent dans l’enregistrement acoustique.

Il propose également une autre excellente vidéo sur la manière de mixer des guitares rock, en se concentrant plus particulièrement sur la recherche d’un niveau de clarté et de largeur.

Un guide plus approfondi sur le mixage des guitares est disponible sur la chaîne Produce Like A Pro, l’une de mes préférées. La vidéo est animée par Warren Huart, qui a travaillé avec The Fray, James Blunt et Aerosmith.

Le plus intéressant dans cette vidéo, c’est que Warren n’utilise que des plugins “in-the-box” – il n’y a donc pas de VST tiers fantaisistes que vous devez utiliser avec nostalgie.

Vidéos gratuites pour la production de synthés

La production de synthétiseurs est un sujet assez vaste. C’est un sujet que les gens étudient exclusivement lorsqu’ils se lancent dans la production musicale. Je vais être franc avec vous : je n’ai aucune idée de la manière dont les synthétiseurs sont programmés. J’ai tendance à jouer avec les boutons d’un preset pour trouver un son qui me plaît.

Si vous ne voulez pas aller plus loin dans vos compétences en matière de production, c’est très bien. Vous devrez encore apprendre à mixer et à faire correspondre avec le reste de vos compositions. Mais pour ceux qui ont une passion plus profonde pour les synthés, il existe de nombreuses ressources à votre disposition pour devenir un expert.

La vidéo “Sound Design and Synth Fundamentals” d’In The Mix est presque la plus populaire des vidéos de production de synthétiseurs disponibles sur YouTube. Elle a été visionnée plus d’un million de fois et ne dure que 15 minutes.

Elle ne vous dira pas tout ce que vous devez savoir – cela prendrait des années. Mais c’est l’une des meilleures vidéos disponibles pour une partie relativement courte et digeste.

L’hôte utilise Serum, mais les enseignements s’appliquent à pratiquement tous les plugins auxquels vous pouvez penser. La plupart des DAW sont dotés d’un synthé intégré avec lequel vous pouvez vous amuser, ou bien il existe de nombreuses options tierces que vous pouvez obtenir gratuitement ou à prix réduit.

La vidéo explique comment chaque bouton affecte le son d’un synthé, et comment vous pouvez les utiliser pour modeler des qualités sonores spécifiques qui seront parfaites pour vos exploits créatifs.

La même chaîne musicale propose une vidéo un peu plus poussée qui examine chaque attribut d’un synthé de manière un peu plus détaillée.

L’une ou l’autre de ces vidéos sera un bon point de départ pour construire une base de connaissances. Ensuite, vous pouvez regarder cette vidéo de David Hilowitz Music, où il construit un synthé à partir de zéro en utilisant Kontakt.

Apprendre à faire cela est loin d’être une exigence pour produire des synthés. Il s’agit simplement d’une approche légèrement différente pour comprendre les principes fondamentaux du synthé.

Il y a de fortes chances que vous n’ayez jamais besoin de créer un circuit physique et de le convertir en un synthé numérique – c’est ce que font déjà la plupart des plugins. Mais cela montre que le potentiel créatif d’un synthétiseur va un peu plus loin que le téléchargement d’un plugin et la manipulation de boutons.

Par exemple, une chose que j’ai faite avec mes “connaissances” (ou mon manque de connaissances) en matière de synthétiseurs a été de créer mes propres synthétiseurs à partir de voix. C’est assez simple – je me suis enregistré en train de fredonner chaque note, à peine accordée, sur une octave complète entre C3 et C4.

Ensuite, un peu (beaucoup) de réverbération, un peu de délai et d’égalisation, et nous avions un instrument virtuel à part entière pour faire ce que je voulais. En fait, l’idée m’est venue de My Bloody Valentine, qui utilisait souvent des synthés vocaux à côté des riffs de guitare pour créer une texture éthérée.

Une fois que vous avez maîtrisé le son de votre synthétiseur, de nombreuses personnes veulent savoir comment faire une chose : comment les faire sonner plus fort. Heureusement, il existe de nombreuses vidéos sur ce sujet spécifique.

Il convient de préciser que cette astuce est davantage destinée aux pads tourbillonnants qu’aux leads, mais qu’elle peut s’appliquer à n’importe quel type de synthé. Beat Academy propose une solide vidéo de 16 minutes sur ce sujet, qui est très utile. Elle présente divers trucs et astuces de mixage, ainsi que les modifications que vous pouvez apporter aux paramètres du synthé pour l'”élargir”.

Si vous souhaitez passer au mixage, Pro Audio Files propose une excellente vidéo de 14 minutes qui vous aidera à vous orienter dans la bonne direction. La leçon est animée par le mixeur professionnel David Glenn, qui présente sa méthode pour faire jouer ensemble plusieurs synthétiseurs dans un morceau.

Ce qui est formidable dans cette vidéo, c’est sa simplicité. Glenn est un professionnel et n’utilise pas des centaines d’effets différents dans une tentative désespérée de tout faire fonctionner ensemble. Il n’utilise pratiquement que l’égaliseur et explique aux spectateurs la meilleure façon de mixer des synthés en utilisant très peu d’éléments.

Vidéos gratuites pour la production de batteries

La batterie est l’une des plus grandes difficultés à surmonter pour les producteurs de musique amateurs. Tout d’abord, l’enregistrement d’une batterie acoustique dans un home studio est soumis à de nombreuses exigences.

Si vous construisez un studio à partir de zéro, le fait de savoir que vous devez enregistrer une batterie augmentera probablement votre facture d’au moins quelques centaines d’euros. Réfléchissons à ce dont vous pourriez avoir besoin :

• Au moins une interface audio 4 pistes
• 2-3 micros (au minimum)
• Une batterie
• Espace pour enregistrer une batterie
• Un traité avec vos voisins
• Un batteur

Bien sûr, certains peuvent se contenter d’un seul micro pour la caisse claire et la grosse caisse, tandis que d’autres ont besoin de 20 micros pour enregistrer chacun de leurs 20 toms. Mais en général, produire de la batterie est vraiment difficile pour les petits musiciens.

C’est pourquoi j’utilise exclusivement des VST de batterie pour ma musique – ils ne sont pas tout à fait au même niveau que les simulations d’amplis de guitare, mais ils sont certainement utiles.

Cependant, de nombreuses personnes ont surmonté ces obstacles et enregistré des rythmes de batterie parfaits dans le confort de leur chambre. La première chose à faire est d’apprendre à utiliser le micro pour chaque kit.

La meilleure façon de s’en rendre compte est de regarder une vidéo qui présente la configuration optimale pour chaque nombre de micros disponibles – de un à dix.

Sweetwater, un important détaillant de produits musicaux, possède une chaîne YouTube qui propose de nombreux contenus professionnels. Leur vidéo “How to Mic a Drum Set in 1,2,3,4 and More Mics” est une excellente introduction au sujet.

Il est un peu plus long que d’autres options (20 minutes), mais compte tenu de l’importance du micro pour le son final de la batterie, c’est du temps bien utilisé.

Si vous êtes comme moi et que vous envisagez de créer vos propres rythmes de batterie virtuels, il est conseillé d’apprendre à programmer les batteries VST. Cela vous permettra d’obtenir un son réaliste (si vous synthétisez des percussions acoustiques) et de mieux contrôler les rythmes.

Il existe deux très bonnes vidéos sur ce sujet. La première, que j’aime beaucoup, est celle de Gear Gods, où l’animateur vous explique comment programmer une batterie à l’aide du plugin VST EZdrummer.

La vidéo suivante, The Indie Music Lab, se concentre moins sur la programmation que sur la création d’un véritable son de batterie VST. Elle se présente sous la forme de cinq conseils et peut vous donner plusieurs idées de nouvelles façons d’utiliser les batteries VST dans vos mixages.

Pour ceux qui souhaitent créer des batteries synthétiques, cette vidéo de 30 minutes d’ARTFX vous guide dans la conception de chaque élément (kick, snare, hat, claps, etc.) à partir de zéro.

Si vous souhaitez mixer une batterie, vous risquez d’être confronté à un dilemme. Lorsque vous tapez “comment mixer une batterie” sur Google, vous êtes assailli par une multitude de vidéos et d’articles qui vous expliquent comment obtenir un son de batterie “épais”, “fort” et “percutant”.

Il n’y a rien de mal à cela en soi. Je suis sûr que beaucoup d’entre vous (et moi-même, parfois) ont voulu répondre à cette question précise. Cependant, il s’agit d’un son très spécifique qui ne vous enseigne qu’une seule façon de mixer une batterie.

Ce n’est pas une idée générale qui peut être appliquée aux qualités sonores que vous voulez recréer. C’est pourquoi je pense qu’il est préférable de trouver un tutoriel de mixage plus général, avant de passer à des sons et des tonalités spécifiques qui conviennent à votre style musical.

Pour cela, je vous recommande cette courte vidéo de Joe Gilder. Il s’agit de l’une de ses vidéos les plus populaires, avec un demi-million de vues, et elle aborde certaines des bases du mixage de batterie. Il explique comment configurer et utiliser un bus de batterie, utiliser l’égaliseur pour maîtriser les résonances et les sonneries, et les meilleures façons d’appliquer la compression.

Vidéos gratuites pour apprendre à mixer et le mastering

Vous vous demandez peut-être : “Pourquoi avons-nous besoin de plus de vidéos sur la façon de mixer ? Vous en avez déjà fourni beaucoup !”

C’est ce que j’ai fait. Mais je tiens à souligner que si les vidéos montrant comment mixer des voix ou des percussions sont utiles pour cette application spécifique, elles passent quelque peu à côté de l’objectif du mixage.

En général, l’idée principale du mixage est de faire en sorte que tous les instruments/enregistrements de votre chanson fonctionnent en harmonie. Il ne s’agit pas nécessairement de faire sonner les voix comme si elles étaient nées d’anges ou de transformer votre ligne de basse en un désordre flou et distordu. Ces éléments relèvent davantage de la conception sonore que du mixage.

Non, le mixage s’apparente à la résolution de problèmes. Il peut s’agir de constater que votre voix principale est légèrement brouillée par votre synthétiseur principal et de trouver un moyen d’y remédier sans compromettre la clarté de l’un instrument ou d’un autre.

Il s’agit d’écouter et d’appliquer des solutions – de manière créative et pragmatique – pour s’assurer que la chanson que vous produisez est entendue exactement comme prévu.

En fait, je pense que le meilleur point de départ pour les débutants est d’apprendre les différences entre le mixage et le mastering. Trop souvent, on les met dans le même sac. Bien que les plugins utilisés puissent présenter certaines similitudes, les objectifs du mixage et du mastering sont généralement différents.

Comme je l’ai déjà dit, l’une de mes méthodes d’apprentissage préférées en matière de mixage consiste à regarder un professionnel se débrouiller. Si vous avez le temps et la patience de regarder une longue vidéo, vous y glanerez de nombreux conseils, idées et méthodes que vous pourrez utiliser pour vos propres mixages.

Le plus intéressant dans ces vidéos, c’est qu’elles ne se concentrent généralement pas sur une seule solution (par exemple, comment mixer des voix à plusieurs niveaux). Elles prennent en compte tous les éléments d’une chanson et déterminent comment chaque pièce du puzzle s’emboîte, ce qui peut s’appliquer à la musique de tous les horizons.

En ce qui concerne les vidéos “du début à la fin”, beaucoup sont disponibles sur YouTube, et encore plus peuvent être trouvées sur des services d’abonnement premium tels que Nail The Mix. Bien entendu, cet article est consacré aux ressources gratuites pour la production musicale, et nous ne nous attarderons donc pas sur ces dernières.

Recommander une seule vidéo est un peu un piège, car chaque créateurs de contenus travaille dans son propre style musical. Le mieux est de parcourir quelques vidéos et de voir quel vidéaste vous préférez.

Peut-être que leur chanson ressemble beaucoup à la vôtre, ou peut-être que vous les trouvez tout simplement amusants. La meilleure ressource d’apprentissage est celle que vous appréciez !

Le même processus doit être suivi pour le mastering, s’il s’agit d’un domaine de la production musicale que vous souhaitez explorer. N’oubliez jamais que le mastering est différent du mixage et qu’il nécessite une boîte à outils différente.

Dans la même veine, et dans une vidéo beaucoup plus courte, Reuben Cohen se penche sur le mastering de “Happy” de Pharell Williams. Il discute du processus qu’il a utilisé pour le mastering, des raisons qui l’ont poussé à prendre certaines décisions et des critiques qu’il émet à l’égard du résultat final. Cette vidéo est très utile, car elle souligne l’importance d’écouter une chanson plutôt que d’appliquer une formule générique lors du mixage et du mastering.

Tout le monde n’a pas les 2 ou 3 heures nécessaires pour s’asseoir et suivre un tutoriel complet sur le mixage. Ce n’est pas grave : il existe de nombreuses alternatives. Un style de vidéo populaire est le “x nombre de trucs et astuces pour faire des mixages parfaits”. En général, je déteste ce type de titre qui incite à cliquer.

Dix petites bribes d’informations ne permettront pas à un novice de rivaliser avec les grands du studio. Cependant, ces pépites peuvent s’avérer très précieuses, en particulier pour ceux qui ont un peu plus d’expérience en matière de mixage.

Une autre option consiste à trouver des aperçus plus complets de chaque élément du processus de mixage. Cela vous prendra également plusieurs heures, mais chaque élément est contenu dans des segments de 20 à 30 minutes, ce qui rend la tâche moins intimidante. Vous pouvez les parcourir à votre rythme.

Par exemple, In The Mix propose un guide intitulé “Mixer du début à la fin”, qui donne un aperçu général d’une structure de mixage générique. Ce que j’aime vraiment dans cette vidéo, c’est un conseil spécifique : FAITES UNE PAUSE. Trop peu de vidéos de mixage abordent ce point, qui est pourtant très pertinent.

Si vous mixez la même chose pendant trop longtemps, vos oreilles se fatiguent et votre perception de la chanson dans son ensemble risque d’être déformée. Cela peut avoir un impact sur vos décisions de mixage et vous rendre de plus en plus partial.

Pour en revenir à In The Mix (il propose de très bonnes vidéos d’introduction, parfaites pour les débutants), il propose également une série qui aborde chacun des principaux éléments de mixage : gain, égalisation, réverbération, saturation, distorsion et, bien sûr, le mystérieux compresseur.

Au départ, il s’agit d’une simple introduction à la saturation. Pourtant, avant même de vous en rendre compte, vous regardez une vidéo de 2 heures sur les raisons pour lesquelles la saturation de la bande est la mieux adaptée à la musique emo. Si vous ne souhaitez pas regarder l’une des masterclasses complètes, je vous recommande de vous en tenir à une vidéo par élément.

Si vous voulez en savoir plus sur la compression, parfait, regardez une vidéo sur le sujet et prenez des notes. Puis, laissez tomber pendant un jour ou deux. Regardez peut-être un guide sur l’égalisation des voix, mais là encore, ne regardez plus rien sur l’égalisation. Laissez les nouvelles informations s’imprégner. Si vous surchargez votre cerveau avec des détails, soyons honnêtes, moins pertinents, vous finirez par perdre l’essentiel.

Apprendre à mixer est un élément très personnel, mais très détaillé de la production musicale. Il existe des milliers et des milliers de vidéos et de ressources vantant des méthodes qui ne diffèrent en fait que de 5 % de ce que disent les autres vidéos. Il peut devenir trop facile de tomber dans l’état d’esprit perpétuel de “je dois en apprendre plus” et de ne jamais accomplir quoi que ce soit.

Parce qu’à un moment donné, vous devrez troquer les vidéos pour produire de la musique.

Conclusion

Ouf ! C’est la fin d’un autre long article. J’espère que vous avez réussi à me suivre tout au long de cet article. Et si vous vous êtes arrêtés à chaque fois pour regarder une vidéo que j’ai intégrée, je suis heureux de voir que vous êtes toujours là après ce qui a sans doute été quelques mois !

Plus sérieusement, nous vivons une époque extraordinaire pour les artistes amateurs. L’étendue et la profondeur du contenu informatif totalement gratuit sont telles qu’elles étaient presque inimaginables il y a à peine dix ans.

En fait, l’offre est tellement abondante qu’elle peut même s’avérer préjudiciable. Les gens peuvent être confrontés à une surcharge de choix ou à une paralysie de l’analyse, étant donné le nombre de ressources populaires et bien construites.

L’astuce consiste à établir un plan et à s’y tenir. Toutes les vidéos ne vont pas révolutionner votre processus de production. Il se peut que vous détestiez carrément une partie (ou la totalité) du contenu YouTube que j’ai inclus dans cet article.

À l’inverse, vous pouvez aimer chacun d’entre eux, mais être tellement absorbé par l’information que vous ne mettez jamais en pratique toutes les nouvelles compétences que vous avez acquises.

Je vous laisse donc sur un dernier conseil. Vous pouvez devenir le théoricien de la production musicale le plus intelligent du monde, mais cela ne signifie rien si vous ne l’utilisez pas. Veillez à réduire votre “temps d’observation” en vous amusant sur un logiciel d’enregistrement, en créant un synthétiseur ou en vous amusant à produire la chanson de quelqu’un d’autre.

Certes, vous n’atteindrez peut-être jamais le niveau d’un véritable professionnel de l’industrie en absorbant des vidéos gratuites et en bricolant sur une station de travail numérique, mais ce n’est pas de cela qu’il s’agit. Il s’agit d’améliorer vos compétences et de devenir le meilleur producteur de musique possible.