Comment écrire une chanson : Un guide complet pour créer son propre morceau (2022)

Une technologie dont vous avez certainement entendu parler est le MIDI, puisqu’il est fourni avec presque tous les claviers et pianos numériques modernes. Bien qu’il puisse sembler archaïque, il s’agit de l’un des outils les …

En tant que site Web consacré aux meilleurs pianos numériques 2022 disponibles, il n’est pas surprenant que nous soyons de grands partisans de la musique numérique. Presque tout ce que nous faisons de nos jours repose sur les ordinateurs à un certain degré, et la musique n’est pas différente.

Une technologie dont vous avez certainement entendu parler est le MIDI, puisqu’il est fourni avec presque tous les claviers et pianos numériques modernes. Bien qu’il puisse sembler archaïque, il s’agit de l’un des outils les plus puissants de l’arsenal d’un claviériste.

Voici le deuxième article de notre série consacrée aux principes fondamentaux de la création musicale à l’aide de logiciels. Auparavant, nous nous sommes attaqués à l’affreux problème de la connexion de nos claviers et ordinateurs. Nous vous avons ensuite montré comment vous pouviez utiliser des pianos logiciels pour des fonctions d’enregistrement plus flexibles.

En fonction de votre degré de connaissance de la technologie, le dernier article était soit trivialement facile, soit un guide utile dans le domaine numérique de la création musicale. Dans tous les cas, nous espérons qu’il vous a servi d’introduction ou de révision dans le monde des logiciels musicaux.

Ce que nous faisons cette fois :

J’ai terminé le dernier article par une affirmation audacieuse. J’ai dit que la combinaison d’instruments logiciels et d’une station de travail audio numérique (DAW) était tout ce dont j’avais besoin pour créer un morceau prêt à être diffusé à la radio. Cette fois-ci, je cherche à le prouver, ou du moins à me rapprocher de cet objectif.

Le piano est un instrument au son magnifique, et nous apprécions tous de temps en temps un bon morceau de piano solo. Cependant, les capacités d’une station audionumérique sont quelque peu sous-utilisées si nous l’utilisons uniquement pour enregistrer des pianos.

Aujourd’hui, nous allons vous montrer comment faire des arrangements de chansons. Plus précisément, cela signifie que nous allons ajouter d’autres instruments à nos chansons.

J’ai une idée qui pourrait utiliser une batterie, une basse et une guitare acoustique. (En supposant que la pandémie mondiale soit terminée), nous pourrions louer un studio, et réunir quelques connaissances ayant l’expérience requise.

Toutefois, fixons quelques contraintes. Est-il possible de réaliser cet arrangement idéalisé en utilisant l’installation minimale que nous avons construite dans le dernier guide (qui n’a même pas de microphone) ?

Ce n’est probablement pas surprenant (car cet article n’existerait pas autrement), mais la réponse est oui.

Notre installation

Pour résumer, voici les outils que vous avez à votre disposition après la dernière fois :

  • Un clavier MIDI/un piano numérique – Notre principal moyen de traduire notre jeu réel en données. J’utilise le Nektar SE49.
  • Un ordinateur compétent – Faire des choses en logiciel nécessite une certaine puissance de notre plate-forme, mais tout système construit/publié au cours des 7 dernières années environ devrait fonctionner correctement. J’utilise personnellement mon ordinateur portable de production, un Windows 10 de milieu de gamme.
  • Une station de travail audio numérique (DAW) – Le cerveau principal de l’opération. Il s’agit de la plaque tournante qui gère l’enregistrement, l’édition et la synchronisation. Comme la dernière fois, j’utilise la suite Ableton Live 10, mais vous pouvez utiliser n’importe quel DAW auquel vous avez accès. Ableton Live 10 a la période d’essai la plus longue de tous les DAW modernes, alors essayez-le si vous n’êtes pas sûr. Si vous voulez en savoir plus sur les autres logiciels DAW, nous avons fait un excellent tour d’horizon des avantages et des inconvénients des logiciels DAW modernes
  • Pianos logiciels VST – Un moyen pratique d’obtenir des sons de piano de qualité studio sans avoir besoin de configurations de micro ou de connexions audio complexes. J’utiliserai personnellement le Mini Grand d’AiR, un plugin de piano simple dont je suis tombé amoureux ces derniers temps, mais vous pouvez choisir d’utiliser n’importe quel son de piano que vous préférez.

Nous nous en tiendrons à la même configuration que la dernière fois, les outils supplémentaires étant des plugins logiciels librement disponibles que vous pouvez télécharger dès maintenant. Je vous suggère de télécharger et d’installer tous ces plugins avant de redémarrer votre station audionumérique, car les stations audionumériques effectuent des analyses chaque fois qu’elles détectent des plugins, ce qui peut prendre un certain temps.

Batterie

Steven Slate Drums 5.5 Free. Steven Slate Drums est l’un des plugins de batterie de premier plan disponibles, et il a publié une version gratuite en 2018. C’est un vol absolu, et les tambours eux-mêmes sonnent super bien. Que vous souhaitiez un jeu léger ou lourd, ces tambours sont définitivement prêts pour la radio.

Alternative : MT Power DrumKit 2. S’il y a un inconvénient à SSD 5.5 Free, c’est le grand nombre d’échantillons. Si vous utilisez un système plus ancien, il se peut que la perte de performance n’en vaille pas la peine, malgré la qualité du son.

MT Power Drumkit était mon plugin de batterie gratuit de prédilection pendant des années avant que la SSD ne devienne gratuite, et il tient toujours la route, surtout si vous voulez une batterie de style rock moderne.

Basse

Ample Sound Ample Bass P Lite. De nombreux plugins de basse sont terriblement irréalistes. Une vraie basse n’a que 4 cordes, et même si vous essayez, vous ne pouvez pas jouer les notes d’une même corde en même temps.

La plupart des plugins de basse basés sur des échantillons ne tiennent pas compte des limites d’une vraie basse et finissent par tomber à plat. Ample Bass P Lite utilise une programmation astucieuse pour remédier à cela, et il sonne très bien par ailleurs. Même si vous avez besoin de slap bass ou de notes fantômes.

Guitare

Ample Sound Ample Guitar M Lite. Comme pour la discussion sur les basses réalistes, les guitares sont difficiles à jouer au piano, et même les claviéristes les plus doués ne parviennent pas à reproduire correctement le strumming.

AGML, tout comme son petit frère, ABPL, suit les notes que vous jouez et s’assure que tout est humainement possible. Il dispose également d’un beau séquenceur de grattage, dont le son est si réaliste que j’ai pu l’utiliser dans des jingles commerciaux.

Cordes

Spitfire Audio Labs. Labs est un plugin qui fait bien plus que des cordes, mais c’est certainement l’une des meilleures bibliothèques de cordes gratuites disponibles sur le marché.

Vous obtenez des cordes legato bien échantillonnées qui sonnent mieux que la plupart des orchestres de cordes fournis avec les pianos numériques, et vous pouvez l’étendre davantage avec la bibliothèque Strings 2, qui propose différentes articulations comme Pizzicato.

Il est très facile de s’égarer dans l’écosystème Labs, aussi nous nous en tiendrons à la bibliothèque originale Strings.

Synthétiseur

Synth1 d’Ichiro Toda. Je pense que de nombreuses productions modernes bénéficient de quelques sons synthétiques subtils, et Synth1 est l’un des meilleurs. Un simple coup d’œil sur le site et vous pourriez penser que je plaisante. Synth1 est l’un des instruments logiciels les plus laids, point final, mais cela n’enlève rien à ses capacités sonores.

Ne vous inquiétez pas de son interface intimidante, nous utiliserons des préréglages offerts par M. Wobbles, utilisateur de KVR.

Les critères de sélection de ces plugins étaient simples. Il fallait qu’ils soient gratuits et qu’ils sonnent bien. En général, on n’attend pas grand-chose de ce qui ne coûte rien, mais ces plugins sont indéniablement la crème de la crème, et je les ai tous utilisés d’une manière ou d’une autre pour des productions commerciales ou des démos.

Il suffit de télécharger ces plugins et d’installer leurs formats VST dans le dossier VST précédemment créé dans le dernier tutoriel. Si vous utilisez Logic Pro comme DAW, pensez à utiliser le format AAX à la place, car les VST ne sont pas supportés.

Pourquoi ne recommandez-vous pas (insérer le plugin ici) ?

En dehors du piano, je vous recommande de vous fier à mes choix pour l’instant. Nous sommes tous des pianistes ici et nous pouvons être assez pointilleux sur nos sons clés. Il en va de même pour tous les autres instruments virtuels, mais il est préférable de commencer avec des choix solides sans trop se demander si ces plugins sont vraiment les meilleurs.

Les plugins sont un trou de lapin profond dans lequel on peut facilement tomber si on est trop curieux. À mes débuts, j’ai passé beaucoup trop de temps à essayer différents plugins au lieu de faire de la musique.

Pour ce que cela vaut, je tiens à réaffirmer que mes recommandations sont définitivement prêtes pour la radio, et je les ai toutes utilisées dans des productions commerciales à un moment donné de ma carrière musicale.

Préparatifs préliminaires

Si vous suivez Ableton, notez que je travaillerai dans la vue Arrangement horizontale, par opposition à la vue Session verticale que le programme utilise par défaut. Vous pouvez passer à cette vue en utilisant la touche « Tab » de votre clavier. Cela permet également aux autres utilisateurs de DAW de suivre plus facilement.

Maintenant que nous avons sélectionné nos instruments, nous allons configurer notre environnement de production. Cette section peut sembler fastidieuse et moche, mais le fait de s’en occuper à l’avance nous fera sans aucun doute gagner du temps à l’avenir.

Nous profiterons également de l’occasion pour résoudre les problèmes courants.

Comme la dernière fois, nous utiliserons une station de travail audio numérique pour faire le gros du travail. Nous travaillons avec Ableton Live, mais vous pouvez utiliser n’importe quel DAW moderne.

Les mêmes principes s’appliquent quelle que soit l’application, et vous serez en mesure d’appliquer les compétences acquises ici à n’importe quelle situation.

La dernière fois, nous avons simplement utilisé notre station audionumérique (DAW) prête à l’emploi, et elle fonctionnait assez bien pour de simples enregistrements de piano et l’édition MIDI. Cependant, nous pouvons rendre l’expérience plus fluide en apportant quelques modifications et en effectuant quelques vérifications préalables.

Tout d’abord, choisissons le bon pilote audio et la bonne taille de tampon. Le système MacOS d’Apple a tendance à gérer cela très bien par défaut, vous pouvez donc l’ignorer pour le moment.

Si vous êtes un utilisateur de Windows, je vous recommande vivement d’utiliser les pilotes ASIO, qui résolvent de nombreux problèmes liés aux pilotes audio DirectX, comme la latence.

Pour les utilisateurs de Windows

Si vous utilisez un système plus ancien, vous avez peut-être rencontré des problèmes de latence dans le dernier article. Ce n’est pas vraiment votre faute, car les pilotes audio DirectX de Microsoft ne sont pas idéaux pour la création musicale.

La plupart des fabricants de musique sous Windows utilisent un autre type de pilote audio, appelé ASIO, qui contourne le problème en évitant le traitement audio de votre carte mère.

Le protocole ASIO est souvent fourni avec des interfaces audio externes, mais nous pouvons virtuellement l’émuler (avec tous les gains de performance) en téléchargeant ASIO4All. Il s’agit d’un pilote audio open source qui n’intervient que lorsque vous utilisez des logiciels d’enregistrement ou des programmes de création musicale.

Comme nous travaillons avec plusieurs instruments, je dirais que son installation est obligatoire. N’hésitez pas à passer outre si vous possédez déjà une interface audio externe.

Quoi qu’il en soit, une fois ASIO4All installé, il suffit d’aller dans les paramètres audio de votre logiciel et de le sélectionner comme pilote audio.

Paramètres de la taille de la mémoire tampon

Vous vous souvenez peut-être d’une discussion sur la taille de la mémoire tampon dans le dernier article. Essentiellement, les tampons d’échantillonnage plus petits sont plus efficaces pour réduire la latence, mais ils sont aussi plus gourmands en ressources CPU.

Essayez de réduire la taille de la mémoire tampon à 128 échantillons et voyez si votre ordinateur peut le supporter. Pour ce faire, cliquez sur « Configuration matérielle » dans la section Audio de la fenêtre Préférences.

La plupart des systèmes n’auront pas de problème au début, mais si vous commencez à entendre des problèmes dans les dernières parties de ce guide, n’hésitez pas à pousser jusqu’à 256 échantillons. Le fait de modifier ces valeurs à la volée n’affecte en rien la latence, grâce aux horloges de synchronisation intégrées aux DAW.

Ensuite, essayons de régler l’interface utilisateur. Vous êtes peut-être satisfait de l’aspect et de la convivialité par défaut de votre station audionumérique, mais je souscris à l’idée qu’il n’y a pas de taille unique, et le fait de modifier des éléments tels que la taille de la police et la palette de couleurs peut contribuer à rendre l’expérience plus agréable.

Paramètres de l’interface utilisateur

C’est quelque chose que je fais toujours avec les logiciels. Souvent, l’aspect et la convivialité par défaut du programme ne correspondent pas parfaitement à vos préférences.

Cela est particulièrement évident si vous utilisez un écran haute résolution, car le texte est si minuscule qu’il est à peine lisible.

J’aime aussi utiliser le mode sombre. Si vous passez de longues périodes devant un écran d’ordinateur, un thème aux couleurs sombres est plus agréable pour les yeux.

Heureusement, Ableton Live inclut ces options de personnalisation. Elles sont accessibles via le même onglet Préférences, sous Look/Feel. Mes réglages personnels sont indiqués ci-dessus, mais n’hésitez pas à jouer avec les curseurs jusqu’à ce que les choses vous conviennent.

Enfin, vérifions si nos plugins VST sont correctement installés. Chaque station audionumérique recherche les nouveaux plugins au démarrage, donc tout devrait bien se passer en théorie.

Malheureusement, certains plugins peuvent avoir un chemin d’installation bizarre, ou peut-être avez-vous utilisé un dossier de plugin VST personnalisé. Le moyen le plus simple de tester cela est de charger votre plugin dans votre station de travail audio et de voir s’il se charge correctement.

Problèmes courants avec les plugins

Une bonne habitude à prendre est de vérifier votre dossier de plugins avant d’en installer de nouveaux. Vous pouvez le faire à partir du menu des préférences de votre logiciel. Je trouve qu’en faisant cela, vous évitez beaucoup de frustrations liées aux plugins.

N’oubliez pas non plus que les plugins existent souvent en version 32 bits et 64 bits. La plupart des plugins modernes ont adopté le format 64 bits, qui présente l’avantage de pouvoir utiliser plus de 4 Go de RAM.

Ableton Live 10 a complètement supprimé la prise en charge des plugins 32 bits, mais certains autres DAW (comme Reaper) incluent des fonctions de pontage qui assurent la compatibilité.

Par sécurité et pour des raisons de stabilité, optez pour des plugins 64 bits. Les gains de performance en valent la peine.

Maintenant que nous avons réglé la partie la plus ennuyeuse du processus, nous pouvons entrer dans le vif du sujet de ce guide. Faisons de la musique.

Étape 1 : Écrire une chanson

Cette étape est probablement la plus longue de tout le processus, mais c’est ce que je considère comme l’aspect le plus important. Même si nous ne faisons qu’un tutoriel sommaire sur les outils d’arrangement, avoir une bonne idée sera d’une grande aide.

Vous connaissez peut-être le terme « noodling », qui désigne le processus consistant à jouer des idées au hasard, sans rime ni raison, sans jamais vraiment s’en souvenir ou les perfectionner.

C’est une chose que vous devez vous efforcer d’éviter. Même si vous avez une idée très approximative, c’est mieux que de partir de zéro. Après tout, même le plus petit élément d’orientation peut faire avancer les choses.

Pour tirer le meilleur parti de ce guide, je vous recommande de prendre une heure pour trouver des idées. Jouez des accords et des mélodies sur votre piano, et enregistrez-les. Même si vous n’avez qu’une intro un couplet, c’est mieux que rien.

Si possible, essayez de penser à l’ensemble des instruments dont vous disposez actuellement. Nous avons des pianos, une batterie, une basse et des guitares. C’est un groupe complet, alors essayez de travailler avec ces contraintes.

Une fois que vous avez terminé, nous pouvons commencer à rendre l’idée plus complète.

Pour les besoins de ce tutoriel, je vais partir d’une idée liée à mon travail avec mon label. Je cherche à écrire un morceau de pop rock taïwanais, avec un tempo décent de 80 battements par minute et un back beat accrocheur. Je veux aussi que les choses restent assez claires pour laisser de la place aux voix et à la ligne de chant.

C’est une idée approximative, mais c’est suffisant pour construire.

Savoir ce que je veux signifie également que je peux régler le tempo et le métronome pour faciliter l’enregistrement. Notez que j’utilise également un compte à rebours d’une mesure pour faciliter l’enregistrement.

Vous remarquerez peut-être que j’utilise une signature temporelle de 8/8. C’est juste une préférence personnelle, mais j’aime avoir un métronome plus rapide pour garder le rythme. N’hésitez pas à laisser la vôtre en 4/4, ou même en 3/4 si vous avez envie de valser.

Étape 2 : Enregistrement de l’idée fondatrice

Comme nous sommes des pianistes, nous allons commencer par enregistrer les parties de piano. Si vous ne savez pas trop par où commencer, vous pouvez consulter l’article précédent de cette série, où nous vous guidons à travers les principes fondamentaux de l’enregistrement de pianos logiciels.

Pour résumer, nous chargeons notre plugin de piano, activons le métronome et armons la piste de piano pour l’enregistrement. Ensuite, il ne nous reste plus qu’à appuyer sur le bouton d’enregistrement et à jouer en rythme. N’oubliez pas que nous allons ajouter une batterie et une basse à cette chanson, il est donc préférable de jouer autant que possible en rythme.

Mappage des touches : Pour plus de commodité, j’assigne également la touche ‘R’ de mon clavier d’ordinateur au bouton d’enregistrement. Cela me permet d’enregistrer différentes prises sans avoir besoin de ma souris, ce qui me fait gagner du temps.

Personnellement, j’ai fait plusieurs prises avant d’en obtenir une dont je suis satisfait, alors n’ayez pas peur de compiler plusieurs prises.

Par exemple, vous pouvez voir que j’ai utilisé des prises séparées pour l’intro et le couplet. Vous pouvez considérer que c’est de la triche, mais ma position est qu’il est de ma responsabilité d’écrire de bonnes chansons, pas d’obtenir des prises uniques parfaites.

Comping : Dans sa forme la plus élémentaire, le comping consiste à prendre différentes prises et à les assembler. Cette technique est le plus souvent utilisée pour les performances vocales, parfois de manière aussi radicale que l’utilisation de différentes prises pour chaque syllabe du mot. Il existe des moyens très détaillés de faire cela dans d’autres DAW, mais la fonctionnalité de comping d’Ableton Live est en retard sur la concurrence.

Il convient de noter que nous réenregistrerons probablement ces parties à une date ultérieure. Il s’agit simplement de l’idée de base sur laquelle nous allons nous appuyer, et non de la partie de piano finale. Si vous souhaitez appliquer certaines des techniques d’édition MIDI dont nous avons parlé précédemment, n’hésitez pas.

Édition MIDI : Les modifications les plus courantes sont celles de la vélocité et de la synchronisation des notes, qui peuvent être réalisées facilement en faisant glisser la souris. La meilleure façon de vous familiariser avec les outils disponibles est de jouer avec les paramètres et d’appuyer sur le bouton de lecture pour écouter vos modifications.

N’oubliez pas que Ctrl/Cmd Z est le raccourci d’annulation et qu’il peut souvent vous sauver d’une modification qui a mal tourné.

La quantification est l’un des outils les plus utiles dont disposent les utilisateurs de DAW. Elle tente automatiquement d’aligner vos notes sur la grille actuelle, ce qui en fait un outil parfait pour corriger les imprécisions de timing sans modifier la sensation générale de votre jeu.

Par défaut, les options de quantification sont lourdes et alignent tout parfaitement, ce qui donne une impression de robotique. Cependant, nous pouvons réduire l’intensité à environ 30 %, ce qui donne une impression plus précise, mais pas trop stérile.

Étape 2.5 : Sauvegarder le projet

À ce stade, nous avons fait le premier pas vers la réalisation de notre idée. C’est le moment ou jamais de sauvegarder notre projet.

La plupart des DAW modernes sont très stables et plantent rarement, mais je me souviens encore des fois où j’ai perdu des heures de travail à cause d’une panne de courant ou d’autres problèmes divers. Habituez-vous à sauvegarder avec le raccourci Ctrl/Cmd S, et vous vous épargnerez bien des frustrations.

Vous pouvez nommer le fichier comme vous le souhaitez, mais j’aime personnellement nommer mes fichiers de projet au format ‘{BPM} – {Description de la piste}’, en remplaçant les accolades par les détails correspondants.

Dans ce cas, j’enregistre la chanson sous le nom de ’82 – Pop Rock Draft’.

Cela ajoute simplement une couche d’organisation aux choses et garantit que vous serez en mesure de récupérer le fichier du projet dans des années sans avoir à recourir à une recherche exhaustive.

Étape 3 : Établir un rythme

À ce stade, nous avons établi une ébauche, il est temps de commencer à construire sur les fondations.

Vous pourriez facilement commencer par d’autres instruments, mais je préfère personnellement commencer par la batterie. Voici pourquoi :

  • Le rythme est essentiel : il est beaucoup plus facile de jouer « dans la poche » lorsque vous avez un rythme à suivre.
  • Planifiez l’énergie : Établir le rythme de la batterie à l’avance me permet de planifier les points d’intérêt tels que les chokes ou les fills, et me sert de rappel amusant pour jouer avec.
  • Contrôler la pulsation : si vous êtes formé à la musique contemporaine, vous avez peut-être appris qu’il est possible de manipuler le « feeling » d’une chanson en modulant entre temps normal et temps double.

Il y a deux façons principales d’enregistrer une batterie. On peut soit la jouer sur son clavier, soit utiliser le séquençage MIDI. Selon votre niveau de maîtrise de la batterie au clavier, vous pouvez préférer l’une ou l’autre.

Voici une liste rapide des mappages standard de batterie MIDI :

Cette disposition est basée sur les spécifications General MIDI et est pratiquement utilisée sur les batteries Steven Slate. Elle est également très pratique une fois que vous la maîtrisez. Le jeu en live proprement dit n’entre pas dans le cadre de ce guide, je vous laisse donc le soin d’en apprendre davantage si vous le souhaitez.

La batterie au clavier : La batterie au clavier présente une multitude de styles, ce qui, par coïncidence, est également vrai pour la vraie batterie. La plupart des gens choisissent de jouer la grosse caisse, la caisse claire et les toms avec leur main gauche. Cela laisse la main droite disponible pour toutes les cymbales.

Il s’agit d’une explication sommaire, et si vous êtes vraiment intéressé, je vous recommande de lire une explication plus approfondie du sujet.

Je ne suis pas assez confiant dans mes capacités à jouer de la batterie au clavier, je vais donc travailler avec le séquençage MIDI. C’est également plus facile à utiliser si vous n’êtes pas trop familier avec les concepts de la batterie.

Séquençage MIDI : Nous l’avons brièvement mentionné la dernière fois, mais le séquençage MIDI fait simplement référence au processus qui consiste à poser des notes à l’aide d’une souris, plutôt que d’enregistrer du MIDI. C’est très utile pour les pistes de batterie, car nous ne voulons pas trop de dérive rythmique, voire pas du tout.

Le noyau d’un rythme de batterie est constitué par le kick et la snare. Pour l’instant, nous allons nous concentrer sur les touches C1 (Kick) et D1 (Snare).

Nous allons commencer par créer une nouvelle piste MIDI et charger le plugin Steven Slate Drums. Ensuite, chargez le kit de batterie disponible en cliquant sur le kit Deluxe 2 Free Edition.

J’ai renommé la piste de piano « Piano » et que j’ai nommé cette nouvelle piste MIDI « Drums ». J’essaie de garder les choses organisées autant que possible. C’est une autre petite habitude utile qui fonctionne très bien.

Nous insérons ensuite un clip MIDI de 8 mesures autour de notre partie de piano.

Pour ce faire, il suffit de mettre en surbrillance la zone où nous voulons placer notre batterie, de faire un clic droit et de sélectionner l’option « Insert MIDI Track ». Cela nous donne un clip MIDI vide, sur lequel nous pouvons double-cliquer pour commencer à l’éditer.

Commençons par créer une simple boucle de batterie « 4 on the floor ». Le kick frappe sur chaque temps, et la caisse claire frappe un temps sur deux. N’oubliez pas que vous pouvez utiliser Ctrl/Cmd C et Ctrl/Cmd V pour copier et coller, ce qui vous fait gagner du temps.

Cela semble un peu fade pour le moment, et c’est parce que nous n’utilisons pas de cymbales. Ajoutons la « pulsation » principale avec des hi-hats fermés à double temps. Notez que j’ajoute des charlestons ouverts occasionnels et que j’utilise également différents niveaux de vélocité pour ajouter de la variation.

Grâce à nos excellents échantillons de batterie, le rythme a déjà un aspect soigné. Cependant, il est un peu répétitif. Déplaçons les notes de la 4ème mesure pour ajouter quelques variations.

Nous ajouterons également une cymbale crash sur les premiers temps de la première mesure. Ce sont des fills très simples, mais ils donnent à notre batterie programmée un son un peu plus humain.

Comme j’opte pour un style rock, je veux un rythme plus soutenu, mais je veux aussi qu’il soit introduit progressivement. Je ne suis pas non plus un grand fan du rythme à quatre temps, j’ai donc fait quelques changements radicaux ici et là, pour que le son soit beaucoup plus rock.

Voici à quoi ressemble mon clip MIDI final et comment il sonne.

  1. Beaucoup de batteurs aiment utiliser les cymbales crash gauche et droite simultanément, alors faisons de même. Notez que j’ai également modifié le MIDI des cymbales crash pour qu’elles ne frappent pas toutes exactement au même moment.
  2. Les teintes plus sombres indiquent que ces notes de caisse claire ont une vélocité plus faible. Ce sont des notes fantômes, qui permettent au batteur de faire tourner le rythme avec sa main gauche libre.
  3. Ces notes rapides de la caisse claire sont ce que les batteurs appellent des « flams ». Cela ne semble pas très réaliste, car les vrais flams sont rarement parfaitement sur le rythme, mais dans le contexte de la chanson, cela fonctionne.
  4. Personne n’a dit que les crashs ne peuvent se produire que sur le premier temps, alors ajoutons de temps en temps un peu d’impact à nos snares sur le temps.
  5. À ce stade, je me suis éloigné des charlestons ouverts et j’ai fait la transition vers les cymbales ride. Les notes occasionnelles à double temps sont inspirées par les batteurs de jazz et sont une bonne façon d’ajouter du groove au rythme.

Ghost Notes : C’est probablement la plus grande différence entre notre rythme de base et le rythme final. J’ajoute quelques coups de caisse claire à basse vitesse pour garder le rythme, même en dehors des contretemps.

J’espère que le clip met également en évidence la façon dont j’utilise la batterie pour planifier certains « points d’intérêt ». À la fin des 4 premières mesures, j’ajoute quelques éléments d’un « lead in », où mes tambours font quelques passages de cymbales avant d’entrer en force. C’est une idée qui figurait dans mon projet initial au piano et, grâce à la batterie, je la concrétise.

Un vrai batteur aurait sans doute quelques remarques à faire, mais je pense que c’est suffisant pour l’instant. Continuons avec la partie suivante de la colonne vertébrale d’une chanson, la basse.

Étape 4 : Ajouter le bas de gamme

Les basses sont souvent considérées comme l’épine dorsale de la musique, et je suis personnellement d’accord. Les basses sont très difficiles à obtenir, mais l’effort à fournir peut faire la différence.

Encore une fois, les pianistes compétents peuvent facilement s’en sortir en jouant les parties de basse en direct, mais j’aimerais profiter de cette occasion pour vous guider dans le séquençage MIDI mélodique.

Dans la section précédente, nous avons utilisé l’édition MIDI pour dessiner nos rythmes de batterie, et je dirais que les résultats parlent d’eux-mêmes. Essayons de reproduire ce processus ici. Commencez par créer une nouvelle piste MIDI, et chargez le plugin ABPL.

Il y a beaucoup de fonctionnalités sur ABPL, mais son jeu legato fingerstyle par défaut est exactement ce que nous voulons. Si vous souhaitez utiliser des sons de basse staccato ou slap, essayez de passer votre souris sur le clavier à l’écran dans l’interface du plugin pour en savoir plus.

Tout d’abord, commençons par une ligne de basse simple qui suit nos accords. Nous allons nous en tenir aux bases absolues pour l’instant, et utiliser simplement les notes fondamentales.

J’ai laissé le MIDI de mon piano original sous forme de notes grisées pour référence. Vous pouvez désactiver les notes en appuyant sur la touche Numpad 0 si vous voulez faire la même chose.

Si vous êtes paresseux, vous pouvez simplement copier le MIDI de votre piste de piano et supprimer les notes supérieures, mais je ne vous le recommande pas. Vous vous souvenez que nous avons dit que le rythme est la clé, et que nous l’avons utilisé pour justifier notre utilisation de batteries séquencées ?

Eh bien, la même chose s’applique ici. La batterie n’est pas le seul aspect du rythme, la basse est un autre acteur majeur.

Même si vous décidez de travailler avec la copie, essayez d’utiliser une quantification plus lourde pour que la pulsation rythmique reste solide. C’est ce que nous avons jusqu’à présent.

Ça sonne bien pour l’instant, mais c’est un peu faux. N’oubliez pas que la basse fait principalement partie de la section rythmique. Nous devrons donc travailler avec la batterie, au lieu de simplement suivre les accords.

Une règle simple consiste à suivre la grosse caisse. Cela donne une impulsion rythmique très solide, et dans la plupart des cas, c’est suffisant. Vous pouvez également essayer de couper les notes sur les caisses claires en rythme, avant de les ramener sur le prochain coup de pied (c’est quelque chose que j’ai suivi très librement dans cette chanson).

Je me rends compte que mon rythme de tambour original est un peu trépidant, mais en utilisant ces règles simples, nous obtenons quelque chose comme ceci.

Cette fois, j’ai laissé le MIDI de la grosse caisse et de la caisse claire pour référence. Je sais déjà de quels accords il s’agit, donc le MIDI du piano n’est pas si nécessaire.

C’est un peu ennuyeux cependant, et aucun vrai musicien ne s’en tiendra là. Essayons d’épicer les choses. Vous avez probablement remarqué à ce stade que j’ai laissé ma chanson assez clairsemée.

Essayons de combler ces lacunes avec quelques remplissages de basse.

La plupart des claviéristes contemporains en savent probablement beaucoup plus sur la théorie de la composition des parties de basse, mais je m’en tiendrai à des règles simples.

Nous nous en tiendrons aux gammes, et nous essaierons de passer entre les accords de différentes manières. Pour ce faire, il suffit de raccourcir les notes à des endroits stratégiques et de remplir les blancs.

Nous avons rendu notre pulsation rythmique beaucoup plus intéressante, et j’ose le dire, plus humaine.

Pour être tout à fait honnête, je me retrouve souvent à laisser les parties de basse aux musiciens de session. Il y a quelque chose de magique dans le travail d’un bassiste expérimenté qui permet de passer au niveau supérieur. Nous pourrions essayer d’émuler cela en MIDI en utilisant des slides et des hammer-ons, mais je pense que cela suffira pour l’instant.

Par ailleurs, il se peut que vous souhaitiez couper le son des pistes précédentes ou simplement réduire leur volume. Dans Ableton, il s’agit des commandes de piste situées à l’extrême droite de l’écran d’affichage de l’arrangement, juste à côté du bouton « Armez l’enregistrement ».

Ces contrôles sont extrêmement utiles, alors habituez-vous à les utiliser.

Étape 5 : Ajout d’une guitare grattée

Tout comme les basses, les guitares peuvent être jouées d’une multitude de façons. On pourrait jouer des notes, en utilisant essentiellement la guitare comme un piano dont la polyphonie est limitée à 6 notes. Cependant, c’est la technique du strumming que je recherche cette fois-ci.

Le strumming est quelque chose de pratiquement impossible à émuler à l’aide de claviers, et vous devrez souvent faire appel à un musicien de session ou à un pack d’échantillons si vous voulez obtenir l’effet désiré. Cependant, AGML est l’un des rares plugins qui permet de programmer facilement des parties de strumming.

Et bien, facile est un euphémisme. Il faut un peu de préparation et de compréhension, mais les résultats en valent vraiment la peine.

Une fois encore, chargeons une nouvelle piste MIDI et insérons AGML dedans. L’interface ressemble beaucoup à celle d’ABPL, alors n’hésitez pas à l’explorer si vous voulez personnaliser plus en détail les sons de votre guitare.

L’interface propose par défaut un mode de jeu basé sur les notes, mais nous pouvons passer en mode de grattage d’accords, ce qui nécessite un peu de travail préparatoire.

Tout d’abord, activons le mode d’édition strumming en cliquant sur le bouton correspondant. Cela fait apparaître une interface qui semble très complexe. La difficulté de compréhension de cette page dépend en fait de votre niveau de maîtrise des guitares.

  1. Le concepteur de formes d’accords. Si vous êtes guitariste, vous pouvez placer des « doigts » virtuels à vos positions idéales sur le manche. Si vous ne l’êtes pas, ne perdez pas espoir, car il existe..
  2. Le sélecteur d’accords. Vous avez 24 emplacements avec lesquels travailler (13-24 accessibles avec le bouton 2 en bas à droite). Vous commencez par sélectionner la racine de l’accord (C), puis le type d’accord (mineur). Cela évite d’avoir à connaître le doigté de la guitare, ce qui est un plus pour les auteurs de chansons !
  3. Le créateur de motifs. Vous avez les coups typiques vers le haut et vers le bas, ainsi que les variations de demi-coups. Il y a aussi les cordes individuelles, le choke et les notes fantômes, mais j’ai gardé les choses simples en utilisant les 3 coups principaux.

Comme nous avons déjà établi nos accords au stade de l’ébauche, nous pouvons ajouter nos accords à la liste immédiatement. Pour l’instant, je m’en tiens à mes idées d’accords initiales, en utilisant principalement des accords majeurs et mineurs, avec une dominante 7 et des accords diminués pour les passages.

Si vous en avez envie, vous pouvez également ajouter des renversements spéciaux ou des versions augmentées de vos accords, par exemple en ajoutant des 7 et des 9. Cela ajoute un peu d’intérêt harmonique au mélange, mais nous allons garder les choses simples pour le moment.

L’avantage d’utiliser le séquençage basé sur le MIDI est que nous pouvons facilement changer nos accords à l’avenir en cliquant simplement sur quelques boutons.

Si vous trouvez l’édition de strumming déroutante, je vous conseille de regarder quelques vidéos de guitaristes acoustiques en train de faire des strumming pour vous faire une idée. Le fait de prendre un peu de temps pour recréer de vrais motifs de strumming peut vous aider à vous familiariser avec ce plugin.

Pour entendre votre motif de grattage séquencé, vous pouvez cliquer sur le bouton de lecture pour écouter vos modifications. Notez qu’il se synchronise également sur votre tempo, ce qui n’est qu’une des merveilles de l’intégration des logiciels de musique modernes.

Pour commencer, utilisons simplement le motif par défaut fourni par AGML. Il s’agit d’un motif très basique, mais il sonne bien une fois que nous l’arrangeons avec notre chanson. J’ai assigné les accords 1 à 5 comme accords utilisés dans ma chanson.

Je me rends compte que le do# majeur est répété dans les cases 2 et 5, mais j’ai l’intention d’ajouter une inversion différente pour la dernière mesure plus tard. J’ai de la chance que mon idée de chanson ne comporte que 4 accords.

Ensuite, on actionne l’interrupteur de gauche pour passer le plugin en mode strumming..

…et jouer les motifs d’accords correspondants par MIDI. Référez-vous au clavier du plugin pour voir pourquoi je frappe ces notes spécifiques.

Essentiellement, les notes inférieures changent les accords. La note supérieure choisit le motif de strumming à jouer. Dans ce cas, j’utilise un seul motif, c’est pourquoi les choses semblent parfaitement utilisables.

Je dirais que ça sonne bien, mais il y a quelques problèmes. Le motif simple s’adapte étonnamment bien, mais il ne s’intègre plus aussi bien une fois que j’ai désactivé la batterie. En fait, il ne suit pas les rythmes que nous avions méticuleusement planifiés auparavant. Personnellement, je pense que le plus gros problème est que la dynamique de la guitare est complètement fausse.

Le premier problème est assez facile à résoudre. Changeons le motif en le personnalisant. C’est très délicat, et j’admets que j’étais vraiment tenté de « tricher » en prenant ma guitare acoustique et en l’enregistrant, mais tenons-nous en à cela. Nous n’avons pas non plus besoin de nous limiter à un seul motif de grattage.

L’utilisation de différentes tonalités nous permet d’ajouter des variations et de les appeler si nécessaire. J’utilise quelques autres emplacements de motifs pour obtenir un peu de variation, en particulier pour nos deux sections de remplissage.

Maintenant, j’utilise 3 motifs au lieu d’un seul, et le son est un peu plus proche de ce que j’avais initialement prévu.

Rajoutons le piano, et baissons légèrement le volume.

C’est une amélioration considérable, mais nous avons dû y consacrer beaucoup de temps. Je pourrais probablement faire quelques changements supplémentaires pour rendre le son encore plus réaliste, mais je pense que c’est assez bien comme ça. La guitare n’est pas l’instrument principal de la chanson, et avec un peu d’équilibrage sonore et de mixage, elle s’intégrera parfaitement.

Bien que j’aurais pu simplement mettre un micro sur ma guitare et faire la même chose sans avoir à me préoccuper du séquençage, il est bon de savoir que des plugins comme celui-ci existent pour les personnes qui ne possèdent pas de guitare ou ne savent pas en jouer.

Si vous n’avez besoin que de guitares basées sur des notes, vous êtes déjà prêt. En jouant n’importe quelle touche de votre clavier, vous déclencherez une note sur la guitare virtuelle, et vous verrez que le plugin tente de forcer vos notes dans les limites d’une vraie guitare.

Par exemple, si vous jouez une note sur la même corde, la note précédente sera automatiquement coupée, soit par un slide, soit par un hammer-on, selon la forme actuelle des autres doigts virtuels.

En tant que guitariste, je suis très impressionné et je suis surpris que les mêmes techniques de prétraitement ne soient pas déjà mises en œuvre sur des claviers et des stations de travail haut de gamme.

(Cela explique également pourquoi je suis trop sévère lorsque j’évalue les échantillons de guitare intégrés, je veux dire sérieusement, un plugin gratuit peut le faire, alors pourquoi les grandes marques ne peuvent-elles pas faire quelque chose de similaire ?)

Étape 6 : Ajout de cordes orchestrales

Notre chanson semble déjà assez complète, mais il lui manque un petit quelque chose. La plupart du temps, il s’agit d’ajouter un élément musical soutenu, comme des cordes legato, à notre chanson.

Heureusement, ces instruments sont basés sur les touches. Cela signifie que vous n’aurez pas besoin d’apprendre des techniques étranges pour obtenir un son satisfaisant avec vos plugins.

Comme toujours, nous commençons par ajouter une piste MIDI et charger le plugin LABS de Spitfire Audio. N’oubliez pas de charger également la bibliothèque de cordes dans le menu déroulant.

Maintenant, vous pouvez jouer naturellement sur votre morceau, et je vous suggère de le faire pour commencer. Il est important de s’imprégner de la bibliothèque de cordes que vous utilisez et de comprendre les nuances de l’effet de la vélocité sur l’attaque et le relâchement des échantillons.

Si cette dernière phrase n’a aucun sens, ne vous inquiétez pas trop. L’attaque désigne essentiellement le temps que met un échantillon pour atteindre le volume maximal. Une attaque élevée donne à un son une qualité de gonflement, tandis qu’une attaque faible donne aux sons un effet direct et percutant.

Pendant ce temps, la libération fait référence au temps que prend un échantillon pour s’éteindre après la libération de vos clés.

N’oubliez pas d’essayer de jouer avec votre molette. Dans le cas de LABS, elle contrôle le volume des cordes. Sur certaines autres bibliothèques de cordes, elle peut vous donner un contrôle manuel du vibrato.

Personnellement, mon processus de production de cordes se déroule comme cela.

  • Commencez par enregistrer un jeu MIDI en direct pour trouver des idées.
  • Utilisez une quantification importante et une édition manuelle pour nettoyer l’enregistrement.
  • Faites un peu de séquençage MIDI pour ajouter de l’intérêt.
  • Modifiez manuellement la vélocité et la modwheel MIDI pour ajouter du réalisme.

C’est une belle boucle d’expérimentation et d’amélioration itérative des choses, ce qui semble être une façon efficace de travailler. J’ai vu des pros faire des prises live uniques, mais je ne suis pas encore à ce niveau.

J’utilise quelques accords de base avec des 7 et des 9, et je dirais que ça sonne bien.

J’essaie de faire de mon mieux pour que le nombre maximum de notes jouées à chaque instant reste constant pour chaque bloc. Un quatuor à cordes ou un orchestre ne peut pas ajouter de nouveaux musiciens à la volée, donc imposer cette limitation permet de maintenir un sentiment de cohérence.

Si j’avais un reproche à faire, ce serait que les cordes sonnent un peu comme une réflexion après coup. Il n’y a pas de véritable « développement » tout au long de la chanson.

Maintenant, je vais essayer d’ajouter quelques éditions manuelles pour accentuer les notes de passage et combler quelques lacunes dans le morceau. Le MIDI semble un peu plus complexe maintenant, mais je pense personnellement que les résultats en valent la peine.

A part cela, j’ai aussi utilisé l’éditeur MIDI pour ajouter un peu de modulation modwheel. Vous pouvez y accéder via ce petit symbole sous l’éditeur MIDI, et en sélectionnant le CC MIDI correspondant à modifier.

Vous avez probablement remarqué que « Hold Pedal » (pédale de sustain) et « Pitch Bend » sont également des options. Essayez de les utiliser si vous le souhaitez.

Mon idée a une outro simple avec seulement le piano, donc avoir une roue de modulation descendante fait que les cordes s’éteignent progressivement.

À ce stade, je pense que notre chanson est prête à être exportée. Je l’enverrais alors à un topliner ou à un parolier pour ajouter des voix. Cependant, ce n’est pas encore tout à fait ça.

Outre le problème évident de l’absence de mixage, il n’a pas non plus un son « spécial ». Il est certainement « bon », mais nous devrions vraiment essayer de le rendre « intéressant ».

Si vous êtes déjà satisfait de ce que vous avez, n’hésitez pas à passer à l’étape suivante. Cependant, je pense que savoir utiliser des synthétiseurs est une compétence précieuse à avoir.

Étape 7 : Ajout de synthés électroniques

L’une des choses que j’aime dans le fait de faire de la musique sur un ordinateur, c’est l’énorme variété de sons disponibles. Les synthétiseurs analogiques physiques sont extrêmement chers, et ils sont probablement hors de portée du grand public. Heureusement pour nous, les synthétiseurs logiciels existent, et ils sont très nombreux.

Les synthétiseurs sont l’un de mes instruments de musique préférés, et cela tient à l’énorme degré de personnalisation que vous pouvez faire.

La plupart des synthétiseurs vous exposent presque tous les aspects du moteur sonore, et ce degré de contrôle est vraiment libérateur.

Les étapes du fonctionnement d’un synthétiseur dépassent largement le cadre de cet article, mais vous n’avez pas nécessairement besoin de comprendre ce que font tous les boutons.

Nous utiliserons simplement certains préréglages, mais nous appliquerons quelques changements pour que les sons s’adaptent mieux à notre chanson.

Nous couvrirons deux principaux types de sons de synthétiseurs, à savoir les pads et les arpégiateurs. N’oubliez pas que vous pouvez tout aussi bien utiliser les synthétiseurs comme basses, leads, ou même comme générateur d’effets sonores.

Tout d’abord, essayons d’utiliser un son de pad à la place de nos cordes.

Comme d’habitude, nous allons commencer par charger une nouvelle piste MIDI et le plugin Synth1. Cette fois, nous allons également couper le son de la piste des cordes. Dans Ableton Live, cela se fait en cliquant sur l’icône du haut-parleur sur la piste correspondante.

Ensuite, confirmons que notre pack de presets de Mr. Wobbles a été correctement installé. Si vous avez des difficultés, essayez de vérifier certaines des réponses de ce post du forum. Pour l’essentiel, vous devez cliquer sur le bouton « opt » de l’interface et affecter le pack de presets à une banque libre.

Malheureusement, les presets par défaut de Synth1 ne permettent pas de mettre en valeur ses capacités. Heureusement, le pack de presets que nous vous recommandons est livré avec une tonne de sons incroyables qui sont utilisables dès la sortie de la boîte.

Nous pouvons ensuite charger la banque en cliquant sur l’affichage de texte le plus bas. Dans mon cas, le pack de presets est affecté à la banque 00. En cliquant dessus, on découvre également les 128 sons inclus, étiquetés par type.

Puisque nous examinons spécifiquement les pads, choisissons le preset n° 75, le PAD Euphoni. Il s’agit d’un superbe pad qui comprend un peu de mouvement subtil et une grande largeur. Nous pouvons ensuite enregistrer ou séquencer les parties de pad que nous souhaitons.

Personnellement, j’ai simplement copié le MIDI de ma piste de cordes et l’ai remonté d’une octave. Comme j’ai gardé mon arrangement de cordes assez simple, ça s’intègre parfaitement. Vous vous souvenez de la modulation de la modwheel que j’ai ajoutée ? Cela affecte également le mouvement du filtre du synthétiseur.

Cela sonne assez bien, mais la richesse directe des cordes me manque. Heureusement, nous n’avons pas besoin de choisir entre l’un et l’autre. Nous pouvons superposer les deux sons et les faire jouer simultanément.

Pour que le son du pad s’accorde mieux avec les cordes, je vais faire quelques modifications. J’ai l’impression que le synthétiseur met un peu trop de temps à s’éteindre, j’ai donc baissé le release de l’amplificateur et le feedback du delay. Il met également un peu trop de temps à s’ouvrir, j’ai donc légèrement diminué l’attaque du filtre.

  1. L’enveloppe de l’amplificateur qui affecte le volume du son au fil du temps. J’ai modifié les boutons Attack (A) et Release (R) pour les adapter à mon morceau.
  2. L’enveloppe du filtre qui affecte la luminosité du son dans le temps. Encore une fois, j’ai modifié l’Attaque (A) et le Release (R). N’hésitez pas à jouer avec la fréquence et la résonance également.
  3. Unité de délai intégrée. J’ai baissé les contrôles Dry/Wet et Feedback pour rendre cela plus subtil.

N’hésitez pas à modifier les boutons pour voir ce qu’ils font. Ce sont les réglages que j’ai utilisés pour le clip audio suivant.

J’ai également choisi de supprimer la note la plus basse du MIDI du pad ainsi que la modulation du modwheel. Cela supprime un peu le mouvement indésirable des basses fréquences, qui, je pense, ne convient pas à mon idée de chanson.

Je pense que les synthétiseurs sont vraiment bien adaptés pour améliorer les sons existants de cette façon, car ils sont si étranges que vous pouvez couper les parties qui vous déplaisent.

J’ai également appliqué un égaliseur à coupe-bas pour supprimer une partie du grondement des basses fréquences, mais nous en reparlerons dans le dernier article de cette série, consacré au mixage.

Enfin, ajoutons un joli arpégiateur à nos fills. Je ne veux pas vraiment que ce son soit une présence constante tout au long de la chanson, je veux juste qu’il mène à la seconde moitié de notre section instrumentale principale. Pensez-y comme à un subtil « bonbon pour l’oreille », qui ajoute potentiellement une certaine mémorisation.

Chargez votre dernière nouvelle piste MIDI de la journée, et ajoutez une nouvelle instance de Synth1.

Au lieu d’utiliser l’un des presets d’arpégiateur inclus (étiqueté ARP), je vais modifier l’un des presets de lead. J’ai choisi de travailler avec le preset 28, LD Lunar. Il s’agit d’un son lead magnifique, mais nous pouvons également l’utiliser comme arpégiateur avec quelques modifications.

Ce sont les paramètres modifiés que j’ai utilisés. Vous pouvez remarquer qu’il y a une petite unité de réverbération à côté du plugin, et c’est l’unité de réverbération d’Ableton, que vous pouvez également ajouter dans la section des effets audio.

Comme la dernière fois, nous allons réduire la libération de l’amplificateur, ce qui réduit la queue de notre son de synthé. Nous pourrons ajouter de la réverbération la prochaine fois.

Au lieu d’utiliser l’arpégiateur intégré, je préfère personnellement écrire mes propres lignes d’arpèges à jouer. J’ai ajouté cette piste MIDI à la fin de notre section lead-in.

Je pense personnellement que cela ajoute une touche ludique à la transition. On pourrait même dire que c’est mignon. Cependant, c’est, du moins à mon avis, quelque chose qui sonne un peu plus mémorable.

Étape 8 : finaliser les choses

C’est toujours amusant de regarder en arrière pour voir comment nous avons construit notre idée, morceau par morceau. Nous avons parcouru un long chemin depuis notre point de départ fade, et même après des années d’arrangements, je suis toujours étonné de voir comment nous pouvons transformer une idée simple en quelque chose qui sonne si complet.

Naturellement, j’ai sélectionné des prises et des idées à utiliser dans ce guide. Vous vous êtes probablement retrouvé insatisfait de certaines choses que vous avez faites jusqu’à présent. Je parie que certains d’entre vous qui ont suivi le guide sont revenus en arrière et ont réenregistré ou modifié certaines parties.

C’est tout à fait normal, et en fait, je le recommande vivement. Si vous avez pris l’habitude d’effectuer des sauvegardes incrémentielles ou de contrôler les versions, vous disposerez également de points de contrôle faciles à consulter.

Une fois que vous êtes satisfait de votre chanson, vous pouvez l’exporter sous forme de fichier WAV ou MP3 (selon ce que votre DAW prend en charge ou non).

Dans Ableton Live, vous pouvez exporter un fichier MP3 en même temps que le fichier WAV en activant l’option « Encoder MP3 ».

Étape 9 : Retour

Je ne me précipiterais pas pour télécharger le morceau sur Youtube, ni même pour le partager avec vos amis. Personnellement, j’aime laisser une chanson « mijoter » pendant un jour ou deux, avant d’y revenir pour corriger certains problèmes que j’aurais pu manquer dans la précipitation initiale.

Travailler sur une chanson pendant des heures sans interruption entraîne inévitablement une fatigue auditive, ce qui pousse les humains à prendre des décisions peu souhaitables. Cela peut être quelque peu atténué avec l’expérience, mais j’ai fait suffisamment d’erreurs en mon temps pour savoir qu’on ne peut pas me faire confiance.

Conclusions

J’espère vraiment que cet article vous a permis de mieux comprendre le processus de création d’arrangements. J’espère vous avoir fait vivre le même moment magique que j’ai vécu lorsque j’ai réalisé pour la première fois que je n’avais pas besoin d’un studio et de musiciens de session pour faire de la musique de qualité professionnelle.

Il ne s’agit pas d’un guide complet, et certaines parties peuvent donc sembler un peu vagues. J’ai plutôt essayé de vous donner les étapes essentielles et de vous parler de quelques trucs et astuces que j’ai appris au fil des ans.

J’espère également que le format consistant à inclure des extraits sonores fonctionnera. La musique est un support audio, et le simple fait de décrire pourquoi j’ai fait certaines choses peut ne pas suffire à faire passer le message. De cette façon, vous aurez un retour direct sur les raisons pour lesquelles j’ai choisi de faire les choses d’une certaine manière.

Vous avez peut-être même été en désaccord avec certaines de mes décisions. C’est aussi ce que je fais tout le temps. La plupart du temps, l’arrangement final qui est envoyé au client ou au chanteur ne contient même pas une seule piste de l’ébauche du premier jour.

Quelle est la prochaine étape ?

Nous avons gardé les choses extrêmement simples jusqu’à présent. En dehors de notre ordinateur et d’un clavier MIDI, nous avons très peu de matériel.

Si vous voulez enregistrer de vrais instruments ou des voix, comme les parties de basse et de guitare dont nous avons parlé plus haut, vous devrez commencer à construire un studio, ce qui est naturellement difficile si vous avez un budget limité.

Heureusement que nous avons écrit une série d’articles sur les exigences matérielles et logicielles d’un producteur de musique moderne. Cet article donne une vue d’ensemble de l’équipement dont vous pourriez avoir besoin et constitue une excellente lecture en général si vous souhaitez vous lancer.

Nous n’avons pas non plus beaucoup parlé des plugins VST, choisissant de nous concentrer uniquement sur quelques options gratuites.

Si vous êtes un pianiste qui s’intéresse à la composition ou aux arrangements, vous vous devez de lire mon article. Il y présente tous les principaux VST pour piano du marché et explique pourquoi ils font partie des plugins les plus appréciés.

Enfin, il convient de noter que nos chansons ne sont pas encore vraiment achevées (et non, il ne s’agit pas d’une réflexion philosophique sur la citation de Vinci « L’art n’est jamais terminé »).

Nous devons encore appliquer un peu de mixage pour que nos chansons soient agréables à l’oreille. Pour l’instant, le contenu musical est bon, mais on a l’impression que les sons ne sont pas cohérents.

Je trouve parfois que les chansons non mixées (ou mal mixées) donnent l’impression que les différents instruments sont enregistrés dans des environnements différents, ce qui finit par nuire à l’expérience d’écoute.

Dans la dernière partie de notre guide sur la création musicale à l’aide de logiciels, nous vous parlerons du processus de mixage et nous vous montrerons comment faire passer votre chanson au niveau supérieur.

Si vous êtes intéressé, restez à l’écoute.

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